SferisterioMacerataOpera 2005

27 Giu 2005 - News classica

La Francia allo Sferisterio

La Francia vista dall'Italia. Questo è l'elemento di fondo che lega tra loro, come una sorta di sotterraneo leitmotiv, le diverse opere rappresentate nella stagione lirica maceratese del 2005. Nello splendido Teatro Lauro Rossi e all'interno della grandiosa cornice architettonica dello Sferisterio, le cui forme neoclassiche sembrano riecheggiare, in seno alla provincia italiana, quella dimensione artistica di respiro europeo e internazionale propria della civiltà d'oltralpe, lo spettatore ha l'opportunità di intraprendere un viaggio a ritroso nella cultura francese dalla Rivoluzione al novecento storico attraverso quattro tappe che ne segnano il riflesso nella produzione lirica italiana fra l'ottocento e l'epoca contemporanea.
Nella prima tappa del percorso, che ha inizio al Teatro Lauro Rossi, capolavoro tardo barocco del grande architetto Antonio Galli Bibbiena, Marco Tutino offre una personale lettura musicale de Le bel indiffèrent di Jean Cocteau nell'ambito di un unico evento teatrale che unisce la sua composizione a Les mammelles de Tirèsias di Francis Poulenc, opera buffa tratta dall'omonima pièce teatrale di Guillaume Apollinaire. Un riconoscimento alla creatività di un compositore italiano fra i più acclamati del momento e un omaggio speciale all'arte di Cocteau, Poulenc e Apollinaire, tre grandi francesi protagonisti della cultura del novecento europeo. Il percorso prosegue allo Sferisterio con il Don Carlo di Verdi, scritto originariamente in cinque atti per Parigi nel 1867 come opera francese col titolo di Don Carlos e in seguito rielaborato in quattro atti su traduzione italiana per l'esecuzione scaligera del 1884. Questa seconda versione, proposta all'attenzione del pubblico dello Sferisterio, costituisce il frutto maturo dell'assimilazione della cultura operistica francese da parte del genio di Verdi, che nel Don Carlo riesce a fondere la spettacolarità del grand-opèra, genere di punta della vita teatrale parigina dell'ottocento, con l'essenzialità del melodramma italiano, creando così un modello in grado di imporsi in ambito internazionale. Le altre due tappe del percorso, infine, pongono in primo piano il periodo storico compreso fra la Rivoluzione francese e l'epoca napoleonica. Con l'Andrea Chènier, dramma incentrato sulla figura dell'omonimo poeta francese, uno dei maggiori del settecento illuminista, Giordano porta sulla scena con grande realismo le glorie e gli orrori della Francia giacobina, mentre con la Tosca di Puccini, tratta da un lavoro teatrale di successo del drammaturgo francese Victorien Sardou rappresentato a Parigi nel 1887, i riflettori si accendono sulla Roma papalina del primo ottocento, durante le violente repressioni contro i liberali filonapoleonici seguite alla caduta della Repubblica Romana nel 1799.
L'intero percorso culturale, reso vivo e palpitante dalla forza interpretativa di grandi artisti di livello internazionale, verrà inoltre supportato da una serie di iniziative storico-culturali riguardanti le opere in programma che creeranno occasioni di ulteriore approfondimento conoscitivo per il pubblico della stagione, invitato a godere, nella bella e accogliente città di Macerata, di un'esperienza artistica di grande fascino e suggestione.
(Il Direttore Artistico: Katia Ricciarelli)

Conferenza stampa di Roma: la parola ai protagonisti

E' veramente un bel cartellone. Non avrei saputo fare di meglio. Popolare, ma non banale, che non è la stessa cosa . Gli apprezzamenti sinceri fanno sempre piacere. Se, poi, provengono da uno dei più grandi compositori italiani, come Marco Tutino, sono da considerarsi vangelo. Il Maestro ha aperto così il suo intervento alla conferenza stampa organizzata venerdì scorso a Roma, precisamente nella sede della Regione Marche, per la presentazione della Stagione lirica 2005 allo Sferisterio.
Nè il caldo nè l'impianto d'aria condizionata in tilt per l'improvviso black-out della via hanno scoraggiato i trenta e più giornalisti della stampa nazionale e di settore presenti. Nessuno si è perso una parola, soprattutto, perchè le parole cariche di suggestione provenivano dagli stessi protagonisti delle opere in cartellone. Oltre alle autorità politico-istituzionali, a cominciare dal Sindaco di Macerata, Giorgio Meschini, il dirigente del servizio cultura della Regione Marche, Raimondo Orsetti, e il direttore commerciale per l'area di Roma della Banca delle Marche, Angelo Capozzi, erano presenti alcuni dei principali fautori delle messe in scena, che hanno potuto fornire gustose anticipazioni dei prossimi spettacoli.
Ad aprire le danze è stato, naturalmente, il direttore artistico Katia Ricciarelli, che ha spiegato brevemente le scelte effettuate per la quarantunesima edizione. L'anno scorso abbiamo sofferto un calo di spettatori ha osservato -, che ha interessato non solo noi, ma tutti gli enti operanti nel settore lirico nell'ambito di una crisi generale. Sono stata contenta, però, di notare che avevamo a che fare con un pubblico di qualità . Quest'anno, stiamo già avendo riscontri molto incoraggianti anche in termini di quantità .
Le attrattive non mancano. Ci sarà solo l'imbarazzo della scelta, ma si può sempre optare per un buon abbonamento. L'inaugurazione spetta a Le bel indiffèrent, in scena al Lauro Rossi. E' la prima volta che mi confronto con un'opera non in lingua italiana – ha rivelato il suo autore, Marco Tutino, che ha ripreso un testo scritto da Jean Cocteau per Edith Piaff nel 1940 -. La musica assume atmosfere contrastanti, via via che l'azione costringe la protagonista a cambiare il registro dei suoi stati d'animo . Il monologo lirico farà coppia con Les Mamelles di Tirèsias. E' un'opera geniale, piena di humor, molto surrealista, visto che è basata su un libretto di Apollinaire , la descrive il regista di entrambi gli spettacoli, Pier Luigi Pizzi, da poco proclamato vincitore del premio Una vita per la musica Arthur Rubinstein . Sua sarà anche la regia di Andrea Chènier. Mi ha conquistato per la bellezza delle musiche e il fascino dei personaggi. Nessuno si aspetti, quindi, la solita paccottiglia rivoluzionaria ha sottolineato Pizzi -. Non ci saranno nè ghigliottine nè sans-culotte. Ho scelto i cantanti più credibili per i ruoli che andranno ad interpretare. Lo spettacolo sarà basato essenzialmente su di loro, in una scena che andrà denudandosi man a mano .
Per il Don Carlo, invece, la descrizione della messa in scena è stata affidata al suo regista, Lorenzo Fonda. E' uno spazio quello dell'arena dello Sferisterio. Quell'enorme muro sarà il limite insormontabile contro il quale andranno alla fine ad infrangersi i sogni di Don Carlo, Filippo, Rodrigo e tutti gli altri personaggi. Ho scelto di esaltare le psicologiche, liberandole da qualsiasi datazione storica .
Infine, Deda Cristina Colonna, coreografa e collaboratrice del regista Antonio Latella, ha illustrato il progetto per Tosca. Trasparenza è la parola chiave, come il pavimento di vetri rotti sul quale si muoverà la protagonista, simbolo di fragilità e dolore. Abbiamo voluto accentuare la dialettica tra sacro e profano, attorniando l'eroina di dodici angeli-danzatori. Ognuno di loro commenterà le vicende di Tosca e Mario Cavaradossi a suo modo, secondo la propria personalità , diversamente da come accade in un coro greco, nel quale le risposte sono date tutte ad una sola voce .

Teatro Lauro Rossi 15, 17 luglio 2005
Marco Tutino
Le bel indiffèrent
Melologo in un atto dalla pièce omonima di Jean Cocteau. Edizione Sonzogno.
Prima esecuzione assoluta.
Mezzosoprano: Monica Bacelli.
Francis Poulenc
Les mammelles de Tirèsias
Opera buffa in un prologo e due atti su libretto proprio, tratto dall'omonimo dramma di Guillaume Apollinaire. Edizione Heugel S.A.
Interpreti: Elena Rossi (Tiresia), Luca Canonici (Il marito), Alfonso Antoniozzi (Gendarme Direttore).
Direttore: Guillaume Tournaire;
regia, scene e costumi: Pierluigi Pizzi;
orchestra e coro: Statni Opera di Praga.
Due opere diverse per stile, struttura drammatica e atmosfera espressiva unite insieme da un unico filo conduttore: la donna, fra natura e civiltà , ribellione e dedizione, grandezza morale e fragilità .
Le bel indiffèrent. In scena due soli personaggi: una donna che parla per tutto il tempo e un uomo che non le risponde mai e se ne sta muto e indifferente. Lei lo attende fino a tarda notte, angosciata per le sue abitudini libertine, e quando finalmente l'uomo giunge comincia ad accusarlo di ogni colpa, passando dall'ira feroce al disprezzo, dal sarcasmo alla freddezza, senza accorgersi però che nel frattempo lui si è addormentato nascosto dietro ad un giornale. Al suo risveglio, l'uomo fa per andarsene nuovamente mentre la donna, pentita, cerca di trattenerlo implorando il suo perdono e giurandogli eterno amore. Su questa particolarissima situazione drammatica si basa il melologo di Marco Tutino Le bel indiffèrent, dall'omonima pièce di Cocteau scritta nel 1940 per Edith Piaf. In esso il compositore conferisce una straordinaria espressività al complesso testo letterario francese sottoponendo un unico materiale musicale di base, compatto e coeso come lo è l'impianto strutturale del dramma, ad un incessante processo di metamorfosi che sottolinea puntualmente i continui cambiamenti di stati d'animo della protagonista.
Les mammelles de Tirèsias. Da un lato, una musica di ascendenza colta contaminata dal jazz e dal music-hall, antiromantica e antiaccademica, dissacratoria, ricercatamente superficiale , sospesa con sprezzante leggerezza fra effetti grotteschi, slanci lirici e depressioni malinconiche. Dall'altro, un testo surreale, costruito sull'assoluta libertà combinatoria del poeta che, come un demiurgo, azzera le leggi dello spazio e del tempo per ricreare sulla scena una nuova dimensione, fatta di miraggi, di ardite scomposizioni e di associazioni illogiche, ma, in definitiva, più reale del mondo visibile. Dalla fusione di entrambi nasce la prima opera teatrale di Poulenc: Les mammelles de Tirèsias (Parigi, 1947), tratta dall'omonimo dramma surrealista di Apollinaire ispirato, con irriverente ironia, al mito greco dell'indovino Tiresia, l'unico uomo che, diventato donna e tornato di nuovo uomo per volere degli dei, abbia sperimentato il sesso e l'amore dal punto di vista sia maschile, sia femminile. La violenta polemica antifemminista di Apollinaire, riversata con accenti di volgarità e cattivo gusto sul personaggio della casalinga Teresa che, stanca di essere donna, si libera delle proprie mammelle e diventa uomo col nome di Tiresia per poi pentirsene alla fine, si trasforma in mano a Poulenc in un'occasione di irresistibile comicità e al tempo stesso di sottile riflessione sulle debolezze umane. La sua musica, imperniata sulla forza espressiva di una linea melodica che, sotto l'apparente facilità , cela tutta la ricchezza di toni e di forme della secolare tradizione francese, amplifica il carattere buffo delle parole e insieme conferisce uno spessore umano agli assurdi personaggi del dramma, trasformandoli da inquietanti marionette in figure rappresentative di un'umanità disorientata che sembra aver perso definitivamente la coscienza della propria natura.
Per questo interessante dittico inaugurale Pier Luigi Pizzi ha disegnato, all'interno della cornice classica del Teatro Lauro Rossi, un ambiente unico per i due titoli, senza interruzione tra l'uno e l'altro, quasi a testimoniare con lo spazio scenico la continuità ideale dell'azione drammatica e del tessuto musicale. Un grande omaggio alla musica francese ed ai suoi colori, fedelmente riprodotti nei diversi elementi che compongono l'allestimento, in un equilibrio cromatico perfetto, come altrettanto perfetto appare l'equilibrio musicale delle due partiture.

Arena Sferisterio 16, 24 luglio / 6, 13 agosto 2005
Giuseppe Verdi
Don Carlo
Opera in 4 atti, versione con testo italiano di Angelo Zanardini dell'originale Don Carlos in 5 atti su libretto francese di Joseph Mèry e Camille Du Locle tratto dalla tragedia di Friedrich Schiller Don Carlos, Infant von Spanien. Edizione Ricordi.
Direttore: Gustav Kuhn;
regia, scene e costumi: Lorenzo Fonda (da un'idea di Katia Ricciarelli);
interpreti: Andrea Silvestrelli / Nicola Ghiuselev (Filippo II), David Sotgiu (Don Carlo), Vladimir Stoyanov (Rodrigo), Edmund Toliver / Andrea Silvestrelli (Il Grande Inquisitore), Michela Sburlati (Elisabetta di Valois), Tiziana Carraro (La Principessa di Eboli).
Coro Lirico Marchigiano V. Bellini.
Orchestra Filarmonica Marchigiana.
Uno spesso drappeggio di voci e suoni di tenebra animato dall'eccezionale dinamismo di una forma musicale aperta al divenire e ai trapassi psicologici dei personaggi: questa è l'inconfondibile cifra stilistica del Don Carlo (Parigi, 1867 versione italiana in 4 atti: Milano, 1884). Essa è espressione diretta dell'idea che soggiace agli aspri conflitti tra liberalismo e oscurantismo, amore e ragion di Stato inscenati nel dramma: il naufragio dei grandi ideali romantici nell'oscura mutevolezza della realtà . Filippo II, il personaggio che più di ogni altro incarna questa idea, è un essere solo, dilaniato dal dissidio fra le leggi del potere e le necessità degli affetti personali. Non ha nè luce nè ordine interiore e, di conseguenza, i suoi pensieri hanno un carattere musicale cupo e una forma mutevole: nel suo celebre assolo Ella giammai m'amò egli non canta una vera e propria aria organizzata in strutture sintattiche chiuse e regolari, bensì un intreccio di declamato e arioso dove linee melodiche di eccezionale espressività si spostano liberamente dal canto all'orchestra secondo un procedimento che, in modo non dissimile dalla declamazione wagneriana, risponde alla necessità interiore del personaggio e non a schemi formali preconcetti. Una novità nell'opera italiana dell'epoca, destinata ad esiti sorprendenti in Otello e Falstaff. La consequenzialità con cui nel Don Carlo è realizzata l'idea drammatica di fondo permette a Verdi di inquadrare la vicenda all'interno delle grandiose strutture del grand-opèra di Meyerbeer senza per nulla allentare la fortissima tensione del dramma. Ciò che all'epoca fu ingiustamente giudicato uno scaltro compromesso con la tradizione operistica francese per puro opportunismo di carriera, rappresentò invece per Verdi un'importante occasione di evoluzione artistica in direzione di Aida e di Otello. Nel Don Carlo il suo genio trasformò l'ipertrofica spettacolarità di Meyerbeer in un elemento funzionale all'azione scenica: nell'ampio arco drammatico teso fra la preghiera del monaco sulla tomba di Carlo V e la meditazione di Elisabetta presso la stessa tomba nell'ultima scena dell'opera, un momento di grandiosa spettacolarità come l'auto-da-fè non è altro che l'immagine tangibile di quella vanità della pompa e degli apparati ideologici di fronte alla complessità insondabile della realtà Tu che le vanità conoscesti del mondo , canta Elisabetta nella sua aria finale su cui si impernia tutto il Don Carlo.
L'idea dominante di Lorenzo Fonda è quella di rappresentare il capolavoro verdiano come in una grande tela pittorica. Il dramma si snoda attraverso un susseguirsi di immagini forti, dove il disegno e il colore hanno grande rilievo e dove ogni situazione, precisamente indicata dal libretto dell'edizione di Milano del 1884, è collocata in un ambiente cronologicamente indefinito ma, al tempo stesso, reale e concreto, così come concrete, quasi tattili, sono le tinte delle quali il pittore-scenografo si è servito per dipingere il suo quadro.